[Pani Katarina]

В последнее время некоторую известность приобретают произведения искусства, созданные из расплавленных фигурок героев анимэ и манги.
Авторами является занимающаяся современным искусством группа японцев под названием “three”. Группа эта совсем молодая, существует с 2009 года. Однако, после того, как участники представили свои работы в иностранном блоге, о них заговорили за границей. Затем они сделали то же самое и в японском блоге, и стали достаточно известны среди японцев. На японских сайтах позитивных комментариев вроде “красивый цвет” или “интересная идея” всего ничего, а вот комментариев типа “не понимаю”, “страшно!”, “вызывает неприятные ощущения”, “это не искусство” или “зачем из красивого создавать уродливое?” очень много.
Я думаю, что этот проект очень интересен, а что думаете вы?

three: www.three-studio.com/

@темы: интересности

---

О Хаттори Рансэцу

[pieces-of-universe]

Мне показалась любопытной эта информация (источник - жж: world-japan.livejournal.com/66058.html)
А оттуда ссылка, что информация взята с сайта мир-японии.рф/content/Poetry/Hattori-Ransetsu.h..., но владелец жж и автор - один человек, поэтому копирую прямо с сайта.
Автор El-Star (перепост)

Странная иногда бывает судьба у лучших учеников лучших учителей. Басё создал огромную школу поэтов, след от которой можно увидеть даже сегодня. Одно перечисление имен его учеников похоже на перелистывание огромной толстой книги со стихами: Сампу, Кикаку, Кёрай, Рансэцу, Бонтё, Тохо, Дзёсо, Сико, Тиё, Сора... Интересная, должно быть, была школа, интересное в ней обучение.
Попробуем приоткрыть одну из ее страниц.
Среди своих учеников сам Басё особо выделял двоих - Кикаку и Рансэцу. Казалось бы, мы должны довольно много о них знать, хотя бы потому, что они лучшие. Ан нет! История иногда развивается совсем не по тем законам, которые диктует нам логика.
Откроем Яндекс или Гугл и попробуем найти, кто такой Рансэцу.
Ответ будет примерно таким:

ХАТТОРИ Рансэцу (1654–1707) — поэт школы Басё. Родился в Эдо, в обедневшей самурайской семье. Рано стал интересоваться поэзией, в 1675 г. примкнул к школе Басё и очень скоро занял ведущее место среди эдоских учеников Басё. В отличие от многих других поэтов, был вынужден служить и по делам службы надолго уезжал в провинцию. Только в 1686 г., окончательно вернувшись в Эдо, Рансэцу ушел со службы и сделался профессиональным учителем хайкай. С того времени начался его отход от школы Басё, хотя уважение и любовь к учителю он сохранил до конца своих дней. Постепенно у Рансэцу появились собственные ученики, а в 1690 г. вышел первый сборник его школы — "Соно-фукуро", за который Рансэцу подвергся критике со стороны учеников Басё, недовольных тем, что при составлении этого сборника он проигнорировал своих прежних единомышленников. Возможно, именно поэтому его трехстишия не были включены в сборник "Сарумино" ("Соломенный плащ обезьяны"), составленный учениками Басё в 1691 г. После смерти Басё деятельность Рансэцу ограничивалась узкими рамками собственной школы. В последние годы жизни стал дзэнским монахом.

Я не указываю авторство этого текста, поскольку его сложно найти - текст в неизменном виде или с минимальными изменениями публикуется на десятках сайтов и это практически все, что можно найти в русскоязычной сети.
Англичане общались с японцами и изучали их культуру дольше нашего, да и развита англоязычная сеть не в пример больше любой другой, так что я ожидала, что там-то я найду все.
Но это оказалось не так, о Рансэцу вообще мало что известно: даже его стихи мало переводились на английский. Их всего на два-три больше, чем стихов в переводе Веры Марковой, известных русским любителям японской поэзии. И даже попытка обратиться за помощью к японскому в автопереводе Гугла мало что дала. (Я, к сожалению, японский-то не знаю)
Это все меня несказанно удивило, а история о ссоре с остальными учениками школы попросту заинтриговала. Что случилось? Сборник "Сарумино" вышел в 1691г., а Басё умер в 1694-м. Он не мог не знать о том, что происходит. Как учитель относился к ссоре? Чью сторону принял? Ученики пошли против воли учителя или сам Рансэцу вышел из школы и пошел своим путем, да еще и таким сложным?
Вы учтите еще тот факт, что Япония - это дзен-буддизм, а это означает высочайшее преклонение Ученика перед Учителем. Может ли быть, чтобы лучший Ученик пошел против воли своего Учителя? Да еще такого, одно имя которого заставляет склонить голову в уважительном поклоне? С точки зрения дзен - невозможно. Но с точки зрения жизни - может.
Более того, обычно так и происходит - на каком-то этапе развития лучшие пытаются создать что-то свое и сравняться в силе, славе и возможностях со своими Учителями. Они уходят. Уходят из под теплого крыла школы, дома, ученичества... И дальше все зависит уже только от них самих. Они породят новые направления и создадут новые миры, если им повезет. Или скатятся в пропасть, если нет. Но в любом случае, это уже их путь и пройти его могут только они сами.
А саму школу развивает обычно немного другой ученик. Самый верный идеям, талантливый, хороший руководитель... Но почти никогда это не лучший, потому что он не стремиться превзойти Учителя любой ценой. Скорее, это второй-третий ученик.
Впрочем, это все мои домыслы. Все могло быть не так.
Что же случилось в те далекие времена и кто же такой Рансэцу? Поиск ответов на эти вопросы вынудил меня предпринять собственное маленькое исследование, результат которого перед вами.

Цветок... И еще цветок.
Так распускается слива,
Так прибывает тепло.
(пер. В.Марковой)

Интересно, что каждый "язык", каждая нация выбирает свое любимое стихотворение Рансэцу. Японцы высоко ценят именно это, которое, кстати, считается невероятно сложным для перевода (прямой перевод, например, будет говорить скорее о колесе, круговороте, связанном с весной, сливой...). Его изучают все дети в школах, о чем есть подтверждение в многочисленных блогах.

Прежде чем начать, я должна сказать спасибо австралийской поэтессе Джейн Бейкер. Она фрилансер, что означает, что работает она "сама по себе", выступая человеком, которого нанимают на выполнение разовых или временных работ. Джейн работает журналистом, иногда даже свободным адвокатом, а в свободное время пишет очень хорошие стихи. Мне, конечно, сложно судить, насколько они замечательные, все же это английский язык. Но известно, что она получила австралийскую награду FAW Jean Stone Medallion 2004 г. Видимо, это можно назвать как "лучшие стихи года".



Увлечением Джейн Бейкер является история и поэзия Японии и Китая. Она написала несколько книг, посвященных китайской и японской поэзии и, в частности, книгу "Желтая Луна", где есть раздел о Рансэцу, с которого я и почерпнула большинство дополнительных сведений об этом поэте. Раздел этот можно почитать на сайте австралийских хайдзинов (поэтов, пишущих хайку) и просто любителей хайку:
http://www.haikuoz.org/2007/04/soft_upon_my_shutters_1.html

(Кстати, тут можно посмотреть ссылки, ведущие на австралийские сайты любителей хайку)

Вторым источником информации, который мне следовало бы поблагодарить, был известный английский переводчик с японского R.H.Blyth (Реджинальд Блит, 1896-1964). Именно он перевел хайку Рансэцу "о бесплодной женщине", которое стало самым популярным и известным в англоязычной сети:

A childless woman…

how tenderly

she touches

little dolls for sale


Бездетная женщина

Как нежно она касается

Куколок для продажи


(Тут, пожалуй, надо напомнить читателю, что английская традиция перевода хайку долгое время (до середины прошлого века) подразумевала перевод в четыре строчки, в отличие от русских трех. Сегодня англичане тоже часто переводят хайку в три строки)

Третий важнейший источник - книга Йоэла Хоффмана "Японские стихи смерти" (почитать можно на сайте "Дикого кота": Japanese Death Poems by Yoel Hoffmann), где в частности, можно прочитать различные слухи и сплетни о Рансэцу, которые тоже дают много информации о поэте.

Наконец, несколько слов сказал и Макото Йеда, когда рассказывал о Бусоне и его оценке Рансэцу. (Его книгу можно посмотреть среди библиотеки Google: Makoto Ueda. The Path of Flowering Thorn)

Все эти мелкие и разрозненные факты собрал еще один австралийский любитель хайку - Ларри Боул (Larry Bole), чьи комментарии к статье Бейкер можно почитать по ссылке.

Хорошая компиляция всех авторов тут (это блоги хайдзинов, собравшихся вокруг проекта, посвященного попытке собрать все киго - "сезонные слова" в японских хайку в один словарь. (В любом языке есть слова, которые ассоциируются с временем года. Ну, скажем, "цветение яблони" однозначно будет подразумевать весну во всех смыслах).


Остается перечислить японские сайты, с которых я тоже получила какую-то информацию, возможно, не самую точную:

Биография поэта (с фотографиями, используемыми в тексте)


Фотоотчет о визите к могилам Хаттори Рансэцу и его жены, тоже с фотографиями, которые я позаимствовала на это описание
(место перевелось на английский как Early Cloud Monastery, находится он в Токио, а попасть туда можно от станции метро Ikebukuro, направляясь в храм Minamiikebukuro)

Любопытные факты из биографии

Еще одно жизнеописание

Вот после этого вступления пора перейти к тому, что удалось найти.


Итак, что можно добавить к короткой информации о Рансэцу?

Хаттори Рансэцу (урожденный Хаттори Харасукэ) родился в 1654 г. в окрестностях Эдо (называют два вероятных места) в семье самурая Авадзи. Самурай этот действительно обеднел, причем настолько, что позже злые языки будут говорить о том, что в доме Рансэцу не знали постельного белья и предавались разврату. И вообще там было не место для мальчика. Однако есть упоминания о том, что отец Рансэцу - ниндзя, а это несколько меняет дело. Действительно, в этот клан-орден шли самые отверженные и самые бедные самураи (кстати, перевод имени Хаттори означает "потерпевший поражение", и не в этом ли причина бедности?). В домах у них действительно была чрезвычайно бедная спартанская обстановка, а их образ жизни противоречил правилам поведения в обществе. Но у них был свой канон и свои понятия о жизни и воспитании. Со стороны он выглядел очень странным, но его нельзя назвать "плохим".

Если уж зашла речь об именах, то надо отметить, что детское имя Рансэцу Джуносукэ (Junnosuke) Хисаси Йон. Обряд смены имени произошел вскоре после наступления тридцатилетия и тогда на свет появился "снежный шторм" - Рансэцу.




Вот листок упал,

Вот другой летит листок

В вихре ледяном.


(пер. В.Марковой)

Или другой перевод этого стихотворения о смерти:



A leaf is falling…

alas, alas another

and another

falls
(пер. на английский Peter Beilenson and Harry Behn)



Падает лист,

Увы, и другой

Тоже падает

В 21 год Рансэцу примкнул к школе Басё, который был ровно на десять лет старше своего ученика (1675г). Прошло всего лет пять, и Басё включает в свои антологии его стихи, называя его сначала одним из лучших учеников, вместе с Кикаку, а позже и просто лучшим. И это не все. Басё считает его своим другом.

При этом известно, что Рансэцу ведет образ жизни, не слишком соответствующий образу жизни других учеников. Хаттори Рансэцу - сын самурая, он несет службу и разъезжает по окрестным деревням, поэтому не может постоянно присутствовать "на уроках", т.е. собраниях школы. Тем не менее, Басё - тот самый Басё, который говорит своим ученикам о том, что "в простоте образов кроется истинная красота," - ценит Рансэцу выше всех учеников и пишет о нем так: "Я не знаю никого, равного Рансэцу в поэтической простоте". Философия дзен буддизма ценит простоту, естественность, отсутствие излишеств и аскетизм высочайшим образом. Так что эта оценка Учителя говорит сама за себя.



Осенняя луна

Сосну рисует тушью

На синих небесах.

(пер. В.Марковой самого любимого, видимо, стихотворения в русскоязычной среде)

И все же, и все же...

И все же в свое самое длинное путешествие на север Японии (путевой дневник называется "По тропинкам севера") Басё уходит вовсе не с Кикаку и не с Рансэцу, как обычно принято. А с другим учеником - СОра. Это было в 1689г., за год до истории со сборником. Кто-то говорит о том, что оба лучших ученика были заняты в своих собственных школах. Кто-то - что Учитель больше не желал видеть их обоих.


Тянется к северу

Вереница гусей вперемежку

С вереницей паломников.

(пер. В.Марковой)

Правду, наверное, мы уже никогда не узнаем.

В 1691 г., когда скандал внутри школы Басё достиг, видимо, апогея, Учитель уходит в Киото, через три года возвращается в родные места, после чего почти сразу уходит в Осаку, где и умирает. Вообще кажется, он уже не возвращается к идее постоянно действующей школы. То ли действительно на него так подействовал пожар, уничтоживший его жилище в 1682 г. (после чего Басё отправился странствовать, в 1684 г.), то ли разочаровался в своих учениках? Но эта тема стоит отдельного разговора.

А мы вернемся к Рансэцу.

Знаете, что о нем говорят "в народе"?

Ничего хорошего. Его зовут "мягким и слабым, имеющим цветы, но не дающим плодов..." Его сравнивают с человеком, "который приглашает гостей на праздник и служит им там чем-то вроде меню." Наконец, ходят слухи о его первой жене, которая была проституткой в доме омовений, и о второй, которая была гейшей, похожей на первую жену, и о его подозрительном постриге вместе с этой женой…
Одним словом, так, бесцветный поэтишко, не умеющий писать хайку и вообще ничего не представляющий собой. Совсем не похоже на "я не знаю никого, равного Рансэцу..." Правда, даже тогда историки писали, что виной таким словам – банальная зависть.



Snake-strawberries;

Carrying small bows,

Husband and wife together.

(пер. R.H.Blyth)


Усики клубники

Слегка кланяются друг другу

Как муж и жена

Кстати, отношения между Кикаку и Рансэцу всегда считались мирными и дружественными, несмотря на конкуренцию и довольно разные стили написания стихов. Кикаку считался великолепным для городского образа жизни. Рансэцу пишет скорее зарисовки из окружающего мира с глубоким философским подтекстом. И при этом никто не замечает вражды между ними. А вот отношения их обоих с другими учениками школы, которые, к слову сказать, были младше, становились все более напряженными и отстраненными.


Рансэцу входил в число "десяти философов" - учеников Басё, основавших собственные школы. На самом деле таких школ было 12, а "десять философов" родилось по аналогии с Конфуцием.

В Китае есть три великих книги - это И-Цзин, Дао Дэ Цзин и Лунь Юй ("Беседы и суждения" Конфуция). Вот в последней и описывается, что Конфуций провел некоторый экзамен, и десятерых лучших учеников, которые достигли "наибольших успехов в изучении культуры, делах управления, ораторском искусстве и добродетельном поведении" отправил проповедовать его учение. Десять мудрецов или десять философов стали основателями собственных школ, что и послужило распространению учения Конфуция.

Школа Рансэцу называлась Сетсумон (setsumon) и просуществовала какое-то время и после его смерти, правда была переименована в Рансэцу-рюю ("дракон Рансэцу). Школа издала два сборника стихов: один - тот самый злополучный
"Соно-фукуро", второй - Рансэцу бунсу, изданный в 1774 г.

Когда Басё возвращался из странствий в Эдо, он неизменно устраивал собрания своей школы, где каждый выступал с хайку на заданную тему (по меньшей мере, наверное, там были и другие развлечения). Рансэцу был неизменным участником этих "лягушатников" Басё.


Первый день в году.

Воробьи ведут на солнце

Длинный разговор.

(пер. В.Марковой)


А, может, и нет в этом никакого противоречия, ибо человек - сложная натура, а уж поэт-то...


Уволили старых слуг.

Как сильно разлука с ними

Печалит сердца детей!

(пер. В.Марковой)

В 1694 г. Басё умер. Рансэцу после смерти учителя становится монахом. Исследователи говорят, что этот поступок лишил его школу возможности прославиться, хотя я не очень понимаю, почему собственно. Остается поверить на слово. В 1702 году сам Рансэцу все еще очень известен в мире хайку, говорят даже, что этот мир поделен на мир Рансэцу и мир Кикаку. Об этом говорит тот факт, что именно его стихи опубликованы на новогоднем Haikai Ichimazuri. Это, можно сказать, поздравительная открытка - такая тонкая бумага высокого качества, на которой публиковались стихи только признанных обществом хайдзинов (поэтов хайку), очень известных и уважаемых. Денег этот листочек не приносил, он всего лишь служил символом славы и уважения в своем кругу.


Свет этой яркой луны

Оголил, как темя монаха,

Море, холмы и поля.

(пер. В.Марковой)

Еще через пять лет Рансэцу умер (1707 г.)

Его школа, как и сам Рансэцу остались почти неизвестными для нас. Если бы не Еса Бусон, который кроме того, что был живописцем и поэтом, оставил заметный след в истории хайку, возможно, мы бы никогда о нем не узнали (разве что из двух упоминаний Басё о Рансэцу в путевом дневнике "Путешествии в Касиму"):


О снеге ни слова.

Сегодня в лиловой дымке

Гора Цукуба.

пер. Т.Соколовой-Делюсиной (гора Цукуба считалась родиной поэтов, играющих в ренгу - поэтическую игру со сложными правилами)

Однако именно Бусон, второй из величайших поэтов хайку в Японии, называет четырех выдающихся мастеров жанра, среди которых Рансэцу: "Ищите Кикаку, посетите Рансэцу, цитируйте Содо и следуйте Онитсуре. Встречайте этих четырех старейших каждый день". Бусон и себя считает учеником Рансэцу и Кикаку, как двух самых выдающихся...
Кстати, Еса Бусон нарисовал (или начал) в 1738 г. полотно на шелке - "Сбор бессмертных мастеров хайку". Там четырнадцать человек, среди которых, разумеется, Басё, Кикаку и Рансэцу...

"Я не знаю никого, равного Рансэцу в поэтической простоте..."

Набежавшая волна

Моет уходящую...

Как прохладно на реке!

(пер. В.Марковой)

В качестве послесловия не могу не отметить, что стихи Рансэцу периодически побуждают художников воплощать эти строки в виде картин. Вот, например, работа российского художника-керамиста В.Юделевича, работающего в жанре э-ута, представляющем собой слияние художественных и поэтических приемов (дословный перевод означает "картина-стихи"):



Это чаша-тяван, предназначенная для японской чайной церемонии на стихи Рансэцу. Те самые:


Осенняя луна

Сосну рисует тушью

На синих небесах.

(на чаше изображены иероглифы "лунный свет").

В свою очередь разглядывание именно этой чаши и это стихотворение сподвигли меня на поиски информации о Рансэцу. (Первая публикация была в моем блоге World-Japan на ЖЖ). Так что такими вот странными иногда путями ведет нас иногда судьба. Как и положено?




© El-Star
27.02.2011 р.Х.

Последние изменения El-Star
28.02.2011 р.Х.

@темы: история, поэзия, ссылки, личности

---

Именные суффиксы в современной Японии

[Аарра]

Вопрос навеян статьёй из Википедии.
Вика - дело хорошее, но полностью доверять ей нельзя.

В современной Японии используются суффиксы -сама и -доно?
Суффикс -доси использовался в разговоре откау из какой-то дорамы, а обычные люди его могут использовать?

@темы: вопрос, традиции

---

[towelie]

подборка фотографий "тогда и сейчас"

ссылка

@темы: фото, ссылки

---

Отрывок лекции по истории Японии. Могила Иисуса Христа

[Vasilistik]

Историю Иисуса Христа хотя бы в общих чертах знают все. Но мало кому известно, где находится одна из предполагаемых его могил. В Японии.
Согласно легенде, распространенной в японской деревне Синго, до начала своего учения Иисус Христос 11 лет жил в Японии, в этой самой деревне, изучая местный язык и религию. Христос прибыл в Японию в возрасте 21 года, а вернулся в Иудею для исполнения своей миссии в 32. По версии обитателей деревни Синго, вместо Христа на кресте был распят его брат, а Христос, забрав тело, похоронил его в Японии, где затем сам прожил до 107 лет.
В деревне Синго существует старинная традиция рисовать на голове младенцев углем крестик. А на кимоно, которые здесь производят, и на самих могилах Христа и его брата четко выделяется рисунок в форме звезды Давида.

могила Христа и (на заднем плане) его брата

@темы: история, интересности

---

Отдых в Японии

[akari]

Уважемые участники сообщества!
Подскажите пожалуйста, были ли кто-то из вас на о. Окинава. Хочется съездить летом в Японию и совместить городской туризм с отдыхом на море.
Буду рада отзывам, могу в свою очередь рассказать о Токио, Киото, Наре, т.к. была там прошлым летом.

@темы: парки/отдых/развлечения, русские туристы в Японии

---

Суми-э

[Vasilistik]

Суми-э - японская адаптация китайской техники живописи тушью. Выразительность работ суми-э достигается благодаря максимальной лаконичности. Каждый мазок кисти очень экспрессивен и выразителен. В отличие от западных техник, художник не пишет конкретный предмет, он изображает образ, суть этого предмета. При этом работы в технике суми-э лишены чрезмерной детализации и предоставляют зрителю простор для фантазии.

Начальный этап становления японской монохромной живописи относится к середине XIII в., и он полностью определялся воздействием китайских чаньских художников-монахов. В дальнейшем японская живопись прошла свой путь развития, обретя собственный национальный характер и формы выражения.
В японском языке существуют два равнозначных термина, обозначающих монохромную живопись: "суми-э" (картина тушью) и "суйбокуга" (картина водой и тушью), или чаще просто "бокуга" (картина тушью).
Ориентир на китайские образцы всегда был свойственен японской монохромной живописи. Однако удивительная способность японцев к виртуозной интерпретации заимствований приводила к тому, что образцы, приходившие с материка, постепенно преобразовывались в духе отечественных художественных тенденций. В отличие от Китая, где живопись тушью вплоть до современности развивалась в едином русле общих законов и традиций, в Японии к ней обращались мастера разных школ и направлений, сумевшие существенно расширить художественный диапазон и арсенал выразительных средств суйбокуга. Так, в школах Кано (возникла в XV в.) и Сотацу-Корина (XVII в.), развивавших приемы национальной живописи ямато-э (возникла в Х в.), эффектно использованы декоративные возможности тушевого пятна и линии (свобода и широта мазка, композиционное использование пустого пространства и т.д.). Более того, Таварая Сотацу создал новую тушевую технику — "тарасикоми", заключающуюся в том, что поверх непросохшей туши накладывается еще слой, благодаря чему создается декоративно выразительная "переливчатая" живописная фактура.
Великолепные монохромные произведения оставили мастера разных живописных школ — от камерных образцов на свитках и альбомных листах до масштабных декоративных стенных росписей. Можно сказать, что с монохромной живописью так или иначе связана вся история японской живописи, начиная с конца XIII в.

"На первый взгляд, небольшое количество туши на листе белой бумаги кажется простым и скучным, но по мере пристального всматривания оно трансформируется в образ природы — маленькую частицу этого мира, видимую вроде бы смутно, как в тумане, но частицу, которая может увести дух зрителя к величественному целому", — писал современный японский исследователь Нома Сэйроку.

Природа живописи тушью отличается подвижностью, текучестью, ритмичностью, и незаполненное пространство, как эхо, отзывается на одухотворенность линий, пятен, размывов, дымки, давая возможность ощутить "дыхание" вселенской Пустоты, из которой, как говорили древние, все приходит и в которую все уходит.
В зрелых монохромных произведениях достигается не только гармоничное единство безупречной художественной формы и философского осмысления, но и особое эмоциональное звучание, которое создается самой магией тушевой техники, передающей в линиях, штрихах, пятнах и размывах "дыхание вечности" и отражение личности художника.

Четыре благородных:
Цветущая слива, дикая орхидея, бамбук и хризантема – традиционные сюжеты восточной живописи тушью. Их называют «Четыре благородных», они символизируют времена года и благородные качества характера. Слива ассоциируется с зимой, силой и стойкостью, когда хрупкие цветы распускаются в зимние холода. Орхидея символизирует весну, благочестие, изящество и совершенство. Бамбук – лето, преданность, силу и гибкость, бамбук гнется, но не ломается даже под сильным ветром. Хризантема означает осень, ученость, отдохновение, хризантема цветет даже поздней осенью, вопреки холодам.


Слива

Орхидея

Бамбук

Хризантема
Взято: slovari.yandex.ru/~книги/Япония от А до Я/СУМИ-Э/
www.japancalligraphy.eu/ru/sumi-e/four_noble.ht...

@темы: арт

---

Прощание с куклой

[Vasilistik]

В Японии существует поверье, что любая вещь, прожившая слишком долго может обрести душу и стать "бакемоно" - чудовищем опасным для человека. Поэтому от старых вещей обязательно надо избавляться. Существует несколько малоизвестных церемоний прощания с самыми разнообразными вещами - от иголок до кукол.

На северо-западе Киото, в одном из старейших и известнейших районов Киото - Нишиджине, есть маленький буддийский храм Хокё-джи, основанный в 1384 году как младший храм Кеиаи-джи - буддийского монастыря, имевшего серьезное влияние на столичную религиозную жизнь в конце 13го века (до нашего времени не дошел, разрушен в 16ом веке).




Храм Хокё-джи и женский монастырь при нем был основан по духовному завещанию Мугаи Нёдаи (дата рождения неизвестна, год смерти - 1298), одной из ближайших последовательниц китайского монаха Wuxue Zuyuan, основателя Энгаку-джи - одного из крупнейших храмовых комплексов японского дзен-буддизма и буддийской школы того же названия.

Реальной основательницей храма Хокё-джи была шестая настоятельница Кеиаи-джи, Карин-но-Мия Эгон, дочь императора Когон. Она же стала и первой настоятельницей нового монастыря, придав ему статус "императорского".

В 1644 году очередной настоятельницей монастыря стала Кёгон Ришо Зенни, дочь императора Гомизуно-о. Монастырь официально получил статус "монзеки" и неофициально - прозвище "Додо-гошо" - дворец Додо.
С тех времен и до 1868 года в монастыре почти постоянно обитал кто-то из женской части императорской семьи. Благородные дамы приносили с собой в монастырь предметы личного пользования, мебель, книги и свитки, произведенные лучшими мастерами. Принцессы и в монастыре продолжали оставаться принцессами.

Неудивительно, что среди прочих полезных и/или приятных для дам предметов оказались и куклы. Именно в эти времена и была положена традиция благодарственного поминовения старых кукол и ритуальное захоронение их на территории храма. Храм получил свое второе имя - Нингё-дера ("Храм Кукол", которое сейчас, пожалуй, даже более известно, чем настоящее.

Принцессы же и бывшие императрицы начали собирать коллекцию редких кукол. Сейчас это одна из богатейших и интереснейших коллекций кукол в Японии. С 1957 года коллекция два раза в году открывается для свободного посещения. У кого есть возможность - настоятельно рекомендую. Весь март - лучшая коллекция Хина-нингё (кукол для Фестиваля Девочек). В ноябре, весь месяц - сборная экспозиция кукол за весь период существования. Там есть совершенно уникальные экземпяры. Да и просто интересно.

Традиция поминовения старых кукол дожила и до наших дней.

Ежегодно 14 октября в храме Нингё-дера проходит церемония прощания со старыми куклами.

Двор Нингё-дера. Алтарь. Все готово для церемонии.


Здесь принимают старые куклы, с которыми вы хотите попрощаться. Это должны быть именно куклы: имитации человека или животных. Просто игрушки не принимаются. Но куклы могут быть не только местного происхождения.


На отдельном участке аккуратно расставляют кукол для прощальной церемонии.


Подношения на могиле кукол. Кукол сжигают после церемонии


Монахини выходят для проведения церемонии


Они садятся по старшинству, слева направо


Почетная гостья церемонии - Кисараги-таю. Традиция приглашать лучших таю из Шимабары на эту церемонию началась во времена Эдо


Еще две гостьи церемонии. Изначально были представительницами императорского двора, придворными дамами. Сейчас - горожанки, исполняющие роли придворных дам.


Кисараги-таю открывает церемонию. Приготовленный ею заранее чай (держит на подставке дама в розовом кимоно) преподносится душам старых кукол вместе с прочими подношениями и цветами.


Это "митсуаши" - гэта для таю. Не представляю, как в них можно ходить


"Придворные дамы" подносят цветы душам старых кукол.


После поднесения всех даров, монахини начинают чтение поминальных сутр. Старшая из них отбивает ритм. Звук мягкий и глухой. На маленькой подушке разновидность гонга. Им отмечается завершение определенного цикла. У гонга звук соответствующий названию - звонкий и ясный.


Под чтение сутр все присутствующие гости церемонии в строгом порядке по одному подходят к памятнику кукол и сыпали щепотку благовоний на курильницу. В центре - курильница для поминальных благовоний. Справа от нее - маленькая коробочка с собственно благовониями. А слева на красной подставке - чашка чая, приготовленного таю для душ кукол. И цветы.


Монахини и прочие гости. Большинство из этих мужчин - представители разных контор, производящих кукол. В первом ряду в центре, рядом с самой младшей из монахинь, сидит председатель "Кйо-нингё" - крупнейшей организации производителей кукол в Киото. По его собственным словам, сейчас ему 85 лет и 50 из них он отдал куклам.


Таю возжигает благовония куклам



Следом благовония возжигают придворные дамы, а за ними все желающие



Официальная часть церемонии прощания закончилась. Первыми покидают двор храма монахини. Перед уходом - благодарственный поклон старым куклам. После монахинь двор покидает таю. Также прощальный поклон куклам. Затем "придворные дамы" и остальные почетные гости. Публика перемещается во внутренний зал храма, где церемония продолжается неофициальной частью - танцами и музыкой.






Танец Золотого льва




Танец таю




Взято здесь: community.livejournal.com/all_japan/398517.html

@темы: традиции

---

Личные печати в Японии

[Аарра]

Предварение к вопросу - в Японии принято не подписывать документы, как у нас, а ставить печать с фамилией. Соответственно, такая печать заказывается в специализированной мастерской и регистрируется в госорганах.

Вопросы:
1. Где именно регистрируется личная печать и с какого возраста гражданин получает право ею пользоваться?
2. Что делает гражданин при утере личной печати? Например, у нас, если вы потеряли паспорт, идёте в отделение милиции по месту жительства, пишите заявление, вам дают справку для паспортного стола и т.д.
3. Кража личной печати считается уголовным преступлением? У нас по факту кражи паспорта заводится уголовное дело. (Во всяком случае, должно заводиться согласно закону, хотя на практике кражу гораздо чаще оформляют как утерю).
4. На документах есть место для личной печати, как у нас для подписи, или печать можно шлёпать в любое место, куда тыкнется?
5. Как выглядит личная печать? Понятно, что она малогабаритная, чтобы могла уместиться в кармане пиджака или дамской сумочке, но хотелось бы посмотреть фотографии. (Гуглояндекс выдал какую-то невняцу о типографиях и фирмах, которые делают и регистрируют печати МП).
6. В современной Японии используются инро?

@темы: вопрос, интересности, традиции

---

Фамильные сложности

[Аарра]

Предыстория вопроса - эпоха Мэйдзи, простолюдины, до сих пор фамилий не имевшие, начинают их получать. Зачастую фамилии давались по названию местности, и потому нередко бывало, что все жители целой деревни или небольшого городка получали одну и ту же фамилию. Столь же часто бывало так, все жители некой местности получали фамилию аристократа, на землях которого жили или который был наиболее влиятельной шишкой в данной местности.

Вопрос - некий аристократический род (кугэ или буси, неважно) оказался однофамильцем туевой хучи народа. Как они могли показать, что являются теми самыми Тораямами? (фамилия вымышленная)
Например, помечать гербом Тораяма все предметы обихода, от чайной чашки до носового платка, или прицепить гербовый значок на лацкан костюма или ещё что-то...

Второй вопрос - как часто в современной Японии стали бы спрашивать "А вы не из тех самых Тораяма"?
Типа того, как у нас человеку с фамилией Лопухин или Трубецкой могут задать такой вопрос, но беседа должна идти в неформальной обстановке и от нечего делать, чтобы вопросы задавались просто для того, чтобы не молчать.

Ответ получен, всем спасибо!

@темы: история, вопрос, менталитет, имена/фамилии

---

Заброшенные места Японии - 01

[S O N I C]

]

Одним архивом (22,86mb)

@темы: фото

---

Хидзиката Тосидзо

[~!Anastasia!~]

Друзья! Помогите, пожалуйста.
Стряпаю зачетную презентацию по Хидзикате Тосидзо.
В связи с этим назрел вопрос номер один.
Нашла на просторах тырнета изображение

Это что? Скрин из какого-то фильма? Или его реальная фотография?

Вопрос номер два.
Кроме этой всем известной фотографии

есть еще его фото? На одном из сайтов я нашла информацию, что имеется две фотографии Хидзикаты, но наиболее популярна именно эта.

Вопрос номер три.
Памятников Хидзикате, я так понимаю, два?
По крайней мере я нашла только эти два.

Это все? Или еще какие памятники в наличии имеются?

И последнее. Это даже не вопрос, а просьба. Пожалуйста, покидайте в комментарии изображения этого героя в разных фильмах и аниме, если у кого-то что-то завалялось. Ну по аниме у меня есть Хидзиката из Hakuouki и Peacemaker, Гинтаму мне не надо (если имеется еще какое историческое аниме с этим персонажем - буду признательна за картинки). А вот с фильмами проблема - я пыталась из нескольких фильмов, которые онлайн смотрела, сделать скрины, но там качество просто атас ввиду моих проблем с ноутом (не то видеокарта, не то видеоадаптер - какие-то проблемы непонятные, которые не позволяют мне нормально смотреть видео в полноэкранном режиме, скрины выходят нечеткие). В общем если у кого на компе что завалялось и если поделитесь - буду очень благодарна!

@темы: история, вопрос, личности

---

Japan Scenery - 02

[S O N I C]

Одним архивом (29,37mb)

@темы: фото

---

Продам учебник по японскому языку Нечаева 1 том. г. Москва

[elzik818]

Продам новый учебник по японскому языку Нечаева 1 том. Цена 450 р. пишите в личку

@темы: литература, объявления

---

[S O N I C]

Природные и деревенские пейзажи Японии:

Одним архивом (42,25mb)

@темы: фото

---

Коротко о японской живописи, мышлении, азбуке и прочем-прочем

[pieces-of-universe]

Это не мой пост, но мне показалось, что информация очень интересная. Копирую сюда.

03.12.2010 в 10:36

Пишет  el-elk:

Пока без иллюстраций. Коротко о японской живописи, мышлении, азбуке и прочем-прочем
Мучаюсь я, понимаете, новым дизайном в японском стиле, а в силу этого ...

Оригинал тут: eisei-ao.livejournal.com/5385.html (мой)
Японская живопись вещь довольно забавная, такая же, по сути, как и японский язык. Поскольку японская азбука – слоговая, то традиционного биения слова на буквы у них нет, а значит, мышление работает несколько иначе, чем у владельцев буквенных азбук. (Кстати, это медицинский факт, который легко доказывался "отключением" некоторых зон мозга. Если человек знал два языка, а отключалась "языковая зона", то он терял способность изъясняться на обоих и это верно для любого случая, кроме того, когда один язык был буквенный, а второй – иероглифический. Отключение мозга можно реализовать не только варварски-хирургическими методами, но и простым наркозом (наркотизацией), который подается локально на какую-то область мозга. Можно, напротив, отдельно стимулировать какие-то участки электрическими импульсами, это еще проще технически. Второй факт еще интереснее. Если японец получает повреждение мозга: левой или правой его части, то после этого он часто может разучиться читать на слоговой азбуке (кане), сохраняя способность читать на иероглифической (кандзи) и наоборот. ) И это иногда проявляется на совершенно смешных бытовых уровнях, например, попытке по буквам назвать свою фамилию или выдать правильную транскрипцию какого-либо слова.
Ну, вот имя Ваня нет смысла передавать английскими "ви-эй-эн-вай-эй", поскольку каждый из этих звуков будет записан не одной буквой, а двумя: слогом. И иначе невозможно, потому что при всем желании нельзя сделать то, чего у тебя и в голове-то нет.
Примерно так же с японской живописью. И связано это тоже с языком и письменностью. Но с иероглифами. Начнем, с каллиграфии. Что такое иероглиф? Это значок, который подразумевает огромное море информации. Даже руны не имели столько интерпретаций, сколько их имеет сложный иероглиф. Попробуйте взять ручку в руки и написать на бумаге любое предложение. В голове оно и прозвучит. Вы будете выводить буквы, а они будут повторно "звучать" в голове. Попробуйте подумать о чем-то другом, и вы тут же собьетесь.
А теперь представьте, что вы рисуете иероглиф, и у вас в голове не звук и не буква, и даже не слово, а целая картинка появляется. И еще один иероглиф… Уже почти целая история, а ведь на листе всего два значка… Удивительно ли после этого, что три строчки хайку оказываются столь емкими для передачи картинок? Ведь именно этим хайку и славится – он передает не столько смысл, сколько образ, ассоциативный ряд, причем такой, что его должны все понять. Или хотя бы те, кто знает о чем речь (ну, чтобы не гадали, где находится река, скажем, Тацуми, и связана ли она с Фудзи).
Удивительно ли после этого, что японская живопись кажется смазанной и невыразительной? Для народа, который способен картинку передать лишенными смысла мелкими пиктограммами, любая живопись – уже целый мир. Но тем, кто не привык столь осторожно и кропотливо разглядывать текст, размышляя по пути о его смысле и сути, конечно же, кажется, что в картинах мало красок и деталей.
Отчасти, конечно, это похоже на те времена, когда человек не умел писать вовсе, и все изображал картинками, через это прошли все, но на Востоке это задержалось долее всего и получило, в результате, очень любопытное развитие.
Но в результате то, что у любого европейца обычно разделено, - образное и логическое мышление, у японца слито. Письмо (знак, логос) и картина – это нечто единое, а не раздельное (вообще-то говорят, у них даже всегда действуют оба полушария мозга, а не одно, может, в этом дело? )
Странно ли после этого, что фон в японской живописи почти всегда представляет из себя линию? То ли горы, то ли дерево, то ли еще один иероглиф. В связи с чем столь странный и оригинальный для европейца жанр э-ута (я тут добавил ссылку на керамику в этом стиле, чтобы было понятно, о чем речь - pieces-of-universe), который означает, что часть стихотворения изображается картинкой, а часть иероглифами это не интересное совмещение двух противоположных жанров, а что-то очень близкое и почти естественное. Ну, как бы если бы вы не смогли все изобразить иероглифом, и часть заменили картинкой или наоборот. Помните, как часто можно видеть на японском холсте какие-нибудь левые иероглифы? Иногда они даже выглядят как какие-нибудь элементы пейзажа, иногда пейзаж как иероглифы, наконец, иногда они вообще как-то не воспринимаются нашим глазом и очень даже зря. Это не разные вещи, это одно и то же – вот какой любопытный вывод напрашивается при изучении лингвистических особенностей и производимых ими физиологических изменений мозга. И поэтому в Японии так невероятно слились все три возможных здесь жанра – живопись, каллиграфия и поэзия.

Что еще можно заметить особенного в японской живописи? Раз-два-три, ну?
Не угадали.
Отсутствие иллюзий. Посмотрите на европейские картины. Вспомните, в конце концов, школьные уроки рисования. Да ладно, вспомните, как красиво каждый из нас разрисовывал объемными буквами школьный учебник и наносил при этом что…? Правильно, тень. Тень, перспектива, пластическая анатомия и прочие хитрые методы европейской живописи напрочь отсутствуют в живописи китайской или японской. Смотрите сами, это легко заметить, если знать, на что смотреть.
Хуже того, судя по всему, почти на всем протяжении японской истории живописи, мысль о необходимости иллюзий так и не посетила их замечательно симметрично развитые полушария мозга, поэтому в японской живописи нет ничего похожего на эти приемы. Почему? Искусствоведение полагает, что все дело в том, что японская картина – она сама как иероглиф, не может существовать без логического смысла (это называется термином "предметная реальность"). Ну, а раз нужен смысл, то зачем его прятать под иллюзорной действительностью?

Если коротко пройтись по истории японской живописи, то надо вспомнить опять-таки историю вообще. Страна находилась под китайским доминирующим во всем правлением примерно до 10 века нашей эры, а это означает, что истоки японской живописи следует искать в китайской. В те времена в Китае был активен буддизм, доминировало направление, которое называется кара-э.
Века с десятого Япония начинает проявлять себя самостоятельной страной, а внутри нее появляется новый жанр ямато-э, причем достаточно отличный от всех вариантов китайского. Первые картины в этом жанре были попросту росписью складных ширм, сдвижных экранов и т.п., потом уже появились свитки эмакимоно, растянутые на много метров по горизонтали и полностью расписанные, и "мелкие" соси – примерно любимого формата А4, т.е. принтерного листа. Вот это самое "потом", т.е. эмакимоно появились в 12 веке, и именно на них изображены иллюстрации к классическим японским романам легендарной эпохи Хэйан: "Гэндзи моногатари" ("Повесть о Гэндзи", история похождений блистательного принца Гэндзи и его приключениях, кстати, книга считается первым романом в мировой литературе, хотя я лично оспорила бы этот факт, ткнув пальцем в "Махабхарату" или даже более позднюю "Рамаяну").

В 7-м веке японцы стали контактировать с континентом, по сути с тем же Китаем и немного с Кореей. Если говорить о каких-то технических деталях, то в это время оттуда вытаскивается искусство изготовления туши, красок, бумаги и т.п. Кроме того, в страну снова заносится буддизм, который, кроме всего прочего, требует некоторого развития искусств религиозного направления. Вот те самые эмакимоно часто рассказывали о похождениях буддийских священниках, о самом Будде, сцены из притч и т.п., и примерно с 10-го века профессии художественных направлений неожиданно получают повышенный спрос, который, как известно, рождает предложение. Даже в 7-м веке уже было деление на мастеров и подмастерьев, а уж в 12-13 веках, когда картина растягивалась на многие метры…
Посмотреть творения 7-х веков и чуть позже лет можно на примере росписей ковчега Тамамуси из храма Хорюдзи. Несложно видеть, что это очень простые рисунки, выполненные на черном фоне тремя красками: желтой, красной и зеленой. Кстати, можно обнаружить очень даже любопытное сходство храмовых росписей с индийскими росписями. Нет, конечно же, если вспомнить, что буддизм пришел из Индии, ничего удивительного в этом найти нельзя, а вот если посмотреть, как менялись картинки за эти полтысячелетия – очень даже и можно. Но я сегодня не об этом, хотя подобные следы одной культуры в другой – моя любимая тема.
И все же, если проследить, как меняется ситуация от 7 к 12 веку, то можно заметить, что хотя краски становятся более яркими, сами рисунки все еще очень простые по своему изображению и очень статичные. Посмотрите, даже те из них, которые изображают людей, вроде бы в движении, на самом деле совершенно застывшие.
Но это, разумеется, довольно быстро получило свое развитие и лучшие шедевры того времени уже вполне по-европейски выразительны.
В 8-м веке в Японии начинается то, что в Европе называют пейзажной и жанровой живописью. Логично, в общем-то, она всегда появляется после обычных человеческих фигур. Примерно еще через сто лет, в 9-м веке в моду входят изображения мандалы. Мандала – это буддистский алтарь (собственно, перевод с санскрита это и означает). Только Япония – бедная страна и всегда такой была, об этом тоже нужно помнить, когда речь заходит о японских жанрах искусства вообще и живописи в частности. Поэтому построить себе полноценную мандалу, да еще, как это и положено, золотую, яшмовую и вообще дорогую было сложно, а то и невозможно. А вот нарисовать на фиолетовом шелке мандалу серебром и золотом было уже не так сложно, храмы и монастыри могли себе это позволить. Любопытно, что одна из сект Махаяны (все помнят, что это одно из основных направлений в буддизме, суть которого в том, что достичь просветления может любой на любом месте, а не очень специальные люди очень специальными методами? Кто не помнит, может снова перечитать мои индийские лекции) в те времена попросту заявила, что для того, чтобы достичь просветления, достаточно найти "правильное" изображение Будды или одного из бодхисатв (это такие специальные святые, которые достигли просвещения, но не удалились блаженствовать в нирване, а остались следить за нами, грешными). Правда, никто не знает, какое же это самое "истинное" изображение, но если все же его достичь… В результате, художники, верившие в это самое направление мёо, чего только не пробовали, чтобы этого просветления достичь. Некоторые даже рисовали бодхисатву, охваченного пламенем, но спасающего государства (храм Кон-гобудзи).
К 10-12 векам большинство светских картин рисовалось уже в ямато-э, хотя культовые изображения полагалось делать в кара-э. А еще распространился способ рисования золотой фольгой (контур рисунка наносился именно таким образом).
Уф…
Ну, осталось примерно треть сказать от уже сказанного. И можно переходить к подробностям.
Основных направлений классической японской живописи два. И в китайской тоже два. В японской они называются "кохицу" и "ся и", в китайской – "гунби" и "сё и". Если переводить это дословно, то первое будет означать тщательную кисть (тонкую кисть), а второе – "письмо сути", т.е. некое выражение главной идеи. Для Японии это деление очень четко заметно, особенно если посмотреть на мастеров разных школ.
Ямато-э, тоса, укиё-э дружно любили "кохицу", суйбокуга, дзэнга, нанга – "ся". Разница заметна невооруженным и непрофессиональным глазом, достаточно сравнить те и другие картины.
Конечно, были попытки и соединить обе школы – не считайте, что японцы развивались как-то сильно иначе, они делали все то же самое, что и наши художники. Можно назвать троих людей, пытавшихся это проделать: Юань Цзи, жившего в 1642-1718 гг (во времена Ньютона) и парочка современников – Ван Ючжэн, Ци Байши. Сие слияние носит название гун цзян се, что означает примерно "тщательность наравне с письмом", "равные тщательность и наличие идеи (письма)". Иногда это звучит как цзяньгун дайсе.
Правда для того, чтобы цзяньгун дайсе реализовать, принцип ся приходится трактовать намного шире, просто как задачу выразить некую суть в любой стилистической манере. Это для Японии тоже не новость, поскольку у них есть такая штука как сешэнь ("написание души"), так что попытка чего-то такое изобразить для них совсем новой идеей нельзя назвать.
Кстати, искусствоведы и люди, любящие, как и я, во всем искать свои параллели, усматривают прямые связи между инь-ян и кохицу-ся. Инь это как бы кохицу, а ян как бы ся. По правде сказать, мне это кажется несколько надуманным, поскольку идея "единства и борьбы противоположеностей" приходила в голову, похоже всем философам Земли, а не только китайским или Гегелю. Зато вот другая аналогия, скорее всего верна. Это аналогиям между стилями живописи и стилями письма. Скоропись – это сё ("цаошу"), а церемониальное "правильное" письмо ("уставное письмо" "кайшу" или "чжэншу") – это аналог "гунби"-"кохицу".
Если вы еще не запутались в сё и кохицу, то я подкину еще два термина: ики и суй. Это терминология периода Эдо (смотрите Гугл или Яндекс, я почти обещаю как-нибудь написать периодизацию Японии, но пока лениво). В Японии появились богачи, способные оценить искусство. Это, на самом деле, ключевой момент в истории каждой страны, поскольку не будь в Италии Медичи, которые сначала погрязли в хитросплетениях интриг, отравлениях и прочих морально-сомнительных действиях, а потом решили создавать город искусства для эстетических потребностей. Так вот, такие люди появились и в Японии, да еще и в Японии буддистской. Они стали искать изысканность в манерах поведения, образе жизни, все такое прочее. Причем, полагалось, что все эти замечательные человеческие свойства они обретали после того, как познавали всю глубину горечи человеческого бытия. Вот такая вот изысканность плюс способность к состраданию и восприятию красоты мира – это суй. Нельзя сказать, что суй – это чистое созерцание, поскольку оно подразумевало и способность стать лидером в нужный момент.
Ики – это манеры. Общение, поведение, одежда и т.п. человека с "высокой душой". Т.е. внутри у человека философия суй, а ики – то, что будут видеть снаружи. Кстати, гейши – это тоже принципы суй и ики.
Слияние принципов породило какой стиль? С трех раз
Укиё-э. 11-12 века, появляются портреты, заметили? Портреты – это с одной стороны светская живопись, с другой попытка отобразить ики и через нее показать суй. Дошло до того, что профессиональные художники перекочевали в чистые светские жанры, и давай рисовать на ширмах и сёдзи.
Ну, в общем, можно считать, что дальше еще полтысячелетия ничего не происходило. Почему? Тому есть много причин. В 1185 г. Минамото победил Тайра, в стране быстро воцарился хаос междуусобных войн, отбросивших Японию далеко назад от благодатного Хэйана. Только с приходом к власти военных – сёгуната, в стране восстановилось некоторое равновесие, но искусства не получают развития. Возможно, потому, что в стране довольно жесткие правила поведения, а для развития искусств, да еще и для слияния разных жанров, нужен некий полет души.
Я бы остановилась на этом, если бы не Хокусай, которого нельзя не упомянуть.

Укиё-э живет довольно долго, вплоть до 18-го века, где она взрывается Судзуки Харунобу, жившем в 1725-1770г. Этот нехороший человек решил прекратить рисовать исключительно разные вещи и кистью, взял да и использовал нисики-э, технику цветной печати (она же Эдо-э или "картинки из Эдо", "парчовые картинки"). Конечно, это была целая революция и свершилась она в 1764 г.
А через шесть лет, в 1770 г. или чуть раньше (как раз к году смерти Харунобу), еще два человека возродили жанр якуся-э, который подразумевал, что актеры японских театров (тоже еще одна длинная тема для рассказа) могут выступить прототипами личностей.
Нет, пара слов нужна для пояснения.
Итак, японский театр. В нем несколько человек играют ключевые роли, остальные надевают маски. Самое главное, что актер, как и в Европе, считается полностью перевоплотившимся в маску или главного героя. Только тут связь еще и откровенно мистическая – не только актер "вдыхает" жизнь в героя, но и он влияет на актера. Ну, а жанр живописи подразумевал, что актер может быть отражением героя. А, значит, можно не рисовать легендарного принца Гэндзи, скажем, а нарисовать актера, его играющего, вот и все. Если посмотреть на более ранние гравюры, то там актеры вообще почти неразличимы "лицами", часто просто изображаются маски, а на одежде – личный герб. Это и было единственное, чем их можно было отличить.
Так вот, Кацукава Сюнсё (1726—1793) и Иппицусай Бунте стали теми людьми, которые стали рисовать их иначе. Это вроде бы мелкий эпизод в японской живописи, а только Кацукава Сюнсё имел ученика – тоже Кацукава Сюнэя (частый случай, когда ученик берет имя учителя, думаю и в этом случае играл свою роль). Кацукава Сюнэй (1762-1819) тоже стал знаменитым художником и преемником Сюнсё. А в свою очередь тоже обзавелся не менее знаменитым учеником, великим мастером укиё-э – Кацусика Хокусаем (1760-1849). Если смотреть его ранние работы, то влияние Сюнэя несомненно.
Вообще конец 18 - начало 19 веков стало очередным расцветом укиё-э, некоторые даже считают, что это его золотой век. Создавались тысячи картин-гравюр, в историю вошли десятки великих художников, а уж общее их число равнялось нескольким сотням.
В это время популярными темами становятся и женская красота, которую начинают изображать Китао Сигэмаса и Исода Корюсай, и пейзаж, где равных Хокусаю просто нет (в мире самыми известными его работами считаются "Хокусай манга" и "Фугаку сандзюроккэй" (36 видов "Фудзи")). Хокусай, как и всякий великий мастер, вобрал в себя все, что предлагала японская и китайская история живописи. Тут можно увидеть и школу Римпа, и Тосу, и Каноо и даже манеры живописи Западной Европы, уже ставшие известными к тому времени в Японии.
Уффффффффффф
Пока все.

@темы: история, арт

---

[Elu Laitinen]

Никто случайно не знает, где можно "Oki Dub Ainu Band" скачать бесплатно?

@темы: музыка

---

Самураи. Art of War

[Мифранор]

Несколькими постами ранее сообщалось про выставку Самураи. Art of War. А вот я нашла прекрасную статью про то, что оно такое на самом деле. witchkaito.livejournal.com/671160.html?view=664... утащено с разрешения автора отсюда
Текст посвящен выставке в музее востока два года назад, но, судя по фотографиям и бренду, это та же самая коллекция. Это не призыв не посещать, а призыв смотреть без пиетета.
Я всё думала, написать или нет про выставку Самураи в музее Востока.
С одной стороны, писать неохота, потому что я не пишу про все выставки проходящие в Краеведческом музее Сердобска, а никак иначе уровень этой выставки я определить не могу. С другой стороны, эта выставка проходила не в Сердобске, а в столице этой страны. Она продлена до 14 февраля, так что, кто успеет, сходите, там есть на что посмотреть!
К примеру, прекрасный свадебный сэндайский сундук середины 19 века с железными коваными накладками. Слева в узком проходе из первого зала. Замечательный гунбай (веер полководца), конца 18 - начала 19 века в третьем зале. И..., ну, и.... пожалуй, всё.
Имеет смысл посмотреть, как хорошо научились оформлять выставки (видимо не прошли крики ни мои, ни Солкина, ни Васильева, ни других специалистов по поводу умения оформить выставку).
Дальше начинается тихий позор. Конечно, очень, я бы сказала, смело, состракулить быстренько выставку (честно, мне всё равно, сколько вы готовились к этой выставке, у вас как всегда слон родил мышь - это комментарий на случай, если сюда опять припрутся всякие сотрудницы музея с оправданиями) после того как Токийский музей выставил свои сокровища. Могу с уверенностью сказать, что общее оформление выставки в ГМВ значительно лучше, чем в Кремле, поздравляю! Только есть такая маленькая тонкость, если предметы представляют ценность художественную, коллекционную и музейную, то оформление в общем, может быть любым (если не считать плохое оформление - элементарным неуважением к зрителям), потому что подлинникам и шедеврам всё равно - они как жемчужины будут и на сеновале жемчужинами.
Позор начинает с того момента, как мы видим доспехи. В каком-то давнем анонсе (кажется на сайте музеи ру), информация была о том, что выставка составлена из частных коллекций и из собрания музея. Если это так, то можно написать что откуда? Если нет, то, по умолчанию, принято считать, что выставка состоит из музейных предметов. Я расскажу маленькую тайну. Такую, знаете, антикварную. Доспехи представляют ценность, если они т.с. "в сборе", то есть все элементы снаряжения в наличии. В идеале, чтобы это был цельный доспех, а не "марьяжный" (составленный из подходящих по времени, стилю, типу и пр. деталей), но это высший пилотаж и таких доспехов в мире-то не много. Не идеальный, но приемлемый вариант, как я сказала - марьяжный. Доспехи выставляются либо в полном сборе, либо в полном разборе. Красота, конечно, в полном собранном доспехе со всеми элементами и деталями. Но разобранный доспех имеет свою культурную и научную ценность в том, чтобы показать как выглядят отдельные детали. Но, когда доспех выставляется в одном зале, а маска, шлем, перчатки или маэдатэ где-то в другом, а короб для хранения этих доспехов в третьем - это извините, непрофессионализм и полное незнание ни темы, ни правил экспозиции. Впрочем, а чего я жду от тех, кто распорол оби до состояния тряпки и вывесил в экспозицию?!
А дальше начинаются мелкие замечания к тем антикварам, которые продавали коллекционерам доспехи. Почему маэдатэ на доспехах через один?! Почему ленты и связующие пластины шнуры в состоянии разорванного собаками махровой грелки?! Почему доспехи собраны из разных доспехов (плечи от одного, поручи от другого, грудина от третьего) и все разного времени и типа?! Почему декоративный шлем для праздника мальчиков выставляется как шлем пехотинца?! Почему красный доспех покрыт вместо лака масляной краской с заметными потёками?! Почему современный спортивный лук продан как старинный?! Почему
Или эти вопросы надо задать коллекционерам, которые, в этой стране, как известно всё сами лучше всех знают. Впрочем, а чего ожидать, если из тех, кто называет себя "антикваром" 99.9999999% старьевщиков со всеми вытекающими отсюда проблемами? Или это вопросы к музею, который либо собрал такую бесполезную, бездарную коллекцию (если это все-таки их коллекция, а не частные собрания), либо позволил экспонировать в стенах такой редкостный мусор с таким редкостным, впрочем, свойственным для данного заведения, непрофессионализмом?
Нет, я знаю, почему я продаю парные ширмы конца 19 в. в плохом состоянии. Потому что во-первых, они стоят в два раза дешевле, чем столили бы в хорошем, а во-вторых, они не идут ни в музей, ни в коллекцию, а готовятся к украшению ресторанного зала, где в сущности, все равно какого качества ширма. Но почему эти ширмы выставляются в таком же состоянии в музее?! Я понимаю, что хозяин хочет их выставить. Но это ширмы НЕ музейного уровня, НЕ музейного качества и можно найти в Москве еще примерно тридцать пар ширм лучшего качества этой же школы, этого же времени. Это что же получается, кураторы выставки просто тупо жопу оторвать от дивана не хотели, чтобы поискать что-то достойное?! Почему две ширмы ставятся в одну витрину, в которую помещается только одна, причем та, которая ценнее ставится в почти собранном виде, то есть рассмотреть композицию которой не представляется возможным? В чем ценность золотой шестистворчатой ширмы начала 20 в., без всякого рисунка и декора, которая вообще-то существует только как фон для алтаря кукол и не представляет никакой ценности, уж тем более музейной?!?
И самый основные вопросы ПОЧЕМУ ВЫСТАВЛЯЮТСЯ ПОДДЕЛКИ И НОВОДЕЛ?!?!?!?!?!?!?! ПОЧЕМУ ПОД ПОДДЕЛКАМИ И НОВОДЕЛОМ ПРОСТАВЛЕНЫ ДАТИРОВКА СЛОВНО ОНИ ПОДЛИННЫЕ?!?!?!?!?!
Знаете, мне так лень и так противно писать об этом, потому что подходя практически к каждому предмету вопросов возникало больше, чем должно возникать при посещении музея.
Мечи.
Это пожалуй самая печальная часть. Потому что эти залы с мечами - это пиздец. Такие мечи не достойны даже оружейной выставки сердобских умельцев. Несоответствие по времени, ужасающее качество как ковки, так и закалки. Большинство клинков имею критические повреждения при создании, то есть относятся к низшему классу, на которые в большинстве случае NBTHK даже не дает заключений. Все клинки в отвратительном состоянии - не полированные или полированные с нарушением правил, некоторые полированные в России. Я не говорю о переточенных клинках, о том, что все клинки - обрезки из-за критических повреждений (обломы), но, когда клинок получает повреждения уже в наше время, в процессе неправильного хранения (колбаску, там, гвозди, порубили, попробовали, так сказать, остроту меча, работоспособность его), а потом еще и затачивается напильником, это уж ни в какие ворота не лезет!
И, извините, но если этот танто принадлежит Мурамаса, то я балерина Анна Павлова! Ну, право слово, блядь, ну откройте Вы книги, откройте каталоги, позвоните друзьям в NBTHK в конце-концов и спросите у них, КАК выглядит подпись, как выглядят клинки, как выглядит ковка и закалка у Мурамасы!!! Ну, честное слово, это информация не в засекреченных архивах КГБ находится, это не третьяковка и не пушкинский музей - вся необходимая информация будет предоставлена, уж тем более специалистам. Ну зачем позориться-то, а?! Хотя я могу только поздравить того жучилу, который пытался впарить моему клиенту этот позорный фальшак и-таки нашел какого-то лоха. А цена там стояла очень значительная, чуть-чуть ниже, чем должен стоит подлинный клинок этого мастера.
Или это просто таким образом показывается отношение музейных работников к нам, зрителям?! Ну, знаете ли...
А эти прекрасные "ритуальные" тати. Знаете, ну вы бы, блядь, еще сюрикены антикварные положили бы!!! Для тех, кто не понял мой сарказм (а работники данного музея явно не поняли - у них уровень профессиональных знаний равен трехзначной цифре ниже нуля) антикварных сюрикенов не бывает, по крайней мере, их еще никто не видел. А этот вакидзаси начала 19 века? Это что за новогодняя ёлка в лампочках?! Вы видели клинки этого мастера? Я имею ввиду, другие клинки?!
Я промолчу о деталях монтировки клинка, ладно, потому что когда только одна (ОДНА) подлинная цуба - это не плохо, это отвратительно!!!!!
И, я вам намекну, если, вы господа музейщики не в курсе - приличные музеи и приличные выставки выпускают печатные каталоги. Электронные диски, фильмы, прочие развлечения - это отлично, но бумажный старый добрый каталог с выходными данными предметов должен быть. Опять же, если это не выставка Сердобского Краеведческого. Но видимо это она и есть, потому что каталога нет. Есть сайт (исамураи точка ру) с информацией достойной коллекционера-самоучки и его домашней странички. Особенно разделы с "информацией". Это пиздец надерганный из интернета, которую может разместить какой-нибудь "подборщик - бешеный дятел", фанатеющий по Японии, а не музей!! И диск.
Собрав такую выставку, куратор должен застрелиться. Впрочем, в этом музее ни о профессионализме, ни о чести, ни о достоинстве говорить не приходится - они ж не самураи, в конце-концов. Но, вот лично меня, задолбало уже писать про этот музей, который из года в год, из года в год, не может найти нормальных сотрудников, не может построить нормальную выставку и не в состоянии найти не то что верную информацию, а даже тупо подлинники для выставки.
Впрочем, я знаю, для чего нужна была эта выставка. У меня уже есть предложения "музейных", "засвеченных" вещей с этой выставки.
О, Боги мои, либо сделайте так, чтобы их всех молния прибила, либо так, чтобы они наконец сделали хоть одну выставку, от которой я не ядом, но медом изойду...

@темы: ссылки, интересности, военное дело, оружие/доспехи

---

Вопрос.

[Rea_Nal]

Допускаю, что этот вопрос уже был. Есть ли какая-нибудь литература, чтобы познакомится с историей и культурой Японии с нуля? Т.е. такая книга, которую можно дать человеку, который раньше никогда и ни в каких формах с этой темой не соприкасался?

@темы: вопрос

---

Кукольный театр

[Elu Laitinen]

Самым крупным кукольным театром Японии является «Бунраку», представляющий собой кукольный театр дзёрури — традиционный японский театральный жанр.

В XVI веке старинный народный песенный сказ дзёрури был соединен с кукольным представлением и обрел музыкальное звучание. Народный песенный сказ был широко распространен в Японии с X века. Бродячие сказители вели повествование нараспев, под аккомпанемент народного му­зыкального инструмента бива. Сюжеты феодального эпоса, повествующего об истории круп­ных феодальных домов Тайра и Минамото легли в основу повествования.

Примерно в 1560 году в Японию был завезен новый струнный музыкальный инструмент — дзябисэн. Змеиную кожу, которой был обтянут его резонатор, заменили более дешевой кошачьей и назвали сямисэн, он бы­стро приобрел широкую популярность в Японии.

Первые кукольники появились в Японии в VII—VIII ве­ках, это искусство пришло в Японию из Средней Азии через Китай. Выступления ку­кольников стало составной частью представлений сангаку. В XVI веке труппы кукольников стали оседать в различных районах: близ Осака, на острове Авадзи, в провинции Ава, на острове Сикоку, которые и стали впоследствии центрами японского кукольного театрального искусства и сохранили его до наших дней.

Синтез песенного сказа дзёрури, исполняемого под аккомпанемент сямисэна, с кукольным представлением и является рождением нового жанра японского традиционного театрального искусства, оказавшего огромное влияние на развитие театрального искусства Японии. Кукольные представления дзёрури устраивались в столице Киото на открытых площадках пересыхающей реки Камо. В начале XVII века кукольники стали давать представления в новой сто­лице Эдо. После большого пожара 1657 года, нанесшего большой ущерб столице, кукольные театры перебрались в район Осака — Киото, где обосновались оконча­тельно. Появились стационарные кукольные театры с хо­рошо оборудованными сценами, устройство которых сохранилось до наших дней.

Сцена кукольного театра дзёрури состоит из двух не­высоких загородок, которые частично скрывают кукловодов и создают барьер, где движутся куклы. Первая загородка черного цвета, высотой примерно 50 см, расположена в передней части сце­ны, на которой разыгрываются сцены, про­исходящие вне дома. Вторая загородка расположена в глубине сцены, где разыгрываются действия происходящие внутри дома.

Куклы в театре дзёрури совершенны, составляют три четверти роста человека, у них двигаются рот, глаза и брови, ноги, руки и пальцы. Туловище кукол примитивно: это плечевая перекладина, к которой крепятся руки и под­вешиваются ноги, если кукла — мужской персонаж. У жен­ских персонажей ног нет, потому, что они не видны из-под длинного кимоно. Сложная система шнурков дает возможность кукловоду управлять мимикой. Головы кукол создают искусные мастера. Как и в других видах классического японского театра, существуют исторически сложившиеся типы, для каждого из кото­рых применяются определенные голова, парик, костюм. Многообразие таких голов различают по возрасту, полу, социальной принадлежности, характеру. Каж­дая голова имеет свое название и происхождение, каждая применяется для определенных ролей.

Чтобы легче было коор­динировать действия кукловодов и держать куклу примерно на уровне человеческого роста, омодзукаи (главный кукловод) работает в дере­вянных японских туфлях гэта на высоких подставках. Дей­ствия куклы должны точно совпадать с текстом, который читает гидаю. Четкая работа всех участников представления, достигается годами упорной тренировки и считается одной из уникальных особенностей этого ис­кусства. Сказитель — гидаю испол­няет роли всех героев и ведет повествование от авто­ра. Его чтение должно быть максимально выразительным он должен заставить кукол ожить. Постановка голоса, знание мелодического рисунка текста, строгая согласованность действий с другими участ­никами представления требуют многолетней упорной подготовки. На обучение уходит обычно двадцать-тридцать лет. Иногда в представлении принимают уча­стие двое или даже несколько сказителей. Профессии гидаю и кукловодов в театре дзёрури явля­ются наследственными. В традиционно­м театральном искусстве Японии, сценические имена вместе с секретами мастерства передаются от отца к сыну, от учителя к ученику.

Важнейшим фактором эмоциональ­ного воздействия на зрителя в кукольном театре дзёрури является слово. Литературно-художественный уровень текстов дзёрури очень высок, что является боль­шой заслугой крупнейшего японского драматурга Тикамацу Мондзаэмона, который считал, что слово — самая могучая сила и что искусство сказителя и кукловода могут лишь дополнить, но не подменить его. С именем Тикамацу связан период расцвета кукольного театра дзёрури, его «золотой век».

О жизни Тикамацу известно немного. Его настоящее имя Сугимори Нобумори, родился он в районе Киото в самурай­ской семье и получил хорошее образование. Но служба при дворе не привлекала Тикамацу. С юных лет он увлекался театром. Тикамацу написал более тридцати пьес для театра кабуки, для крупнейшего и выдающегося акте­ра кабуки того времени Саката Тодзюро. Однако ему по душе был куколь­ный театр. После смерти Саката Тодзюро Тикамацу пере­ехал в Осака и стал постоянным драматургом театра «Такэ­мотодза». С этого периода и до самой смерти Тикамацу писал пьесы дзёрури. Он создал их более ста, и почти каждая из них становилась событием в театральной жизни Японии того времени. Тикамацу написал двадцать четыре бытовые драмы — сэвамоно и свыше ста исторических — дзидаймоно, которые назвать историческими можно только условно, так как, создавая их, Ти­камацу не придерживался подлинной истории. Его сюжеты произрастали из богатой сокровищницы старинной японской ли­тературы, а наделял он свои персонажи думами и чувствами горожан своего времени. В его произведениях показана борь­ба в душе человека, пытающегося следовать чувству, а не феодальным устоям. Победу почти всегда одерживает нравственный долг, а сочув­ствие автора на стороне побежденных. В этом — верность Тикамацу духу времени, его гуманизм и новаторство.

В 1685 году три выдающихся мастера — Такэмото Гидаю (сказитель дзёрури), Такэдзава Гонэмон (сямисэн) и Ёсида Сабуробэй (кукловод) — объединили свои уси­лия и создали в Осака стационарный кукольный театр «Такэмотодза». Настоящий успех пришел в этот театр когда к их работе был привлечен Тикамацу Мондзаэмон. В 1686 году в театре «Такэмотодза» была исполнена пер­вая пьеса дзёрури, созданная Тикамацу, «Сюссэ Кагэкиё». Представление имело оглушительный успех, и искусство этого теат­ра сразу стало заметно, стало выделяться своим уровнем среди искусств куколь­ных театров того времени. Это было началом плодотворного творческого сотрудничества людей, которые обогатили и развили жанр дзёрури. Следующей эпохой в развитии этого театра была поста­новка новой пьесы дзёрури Тикамацу, «Сонэдзаки синдзю» в 1689 году. Впервые материалом пьесы дзёрури послужила не историческая хроника или легенда, а широко известное скандальное собы­тие того времени: самоубийство куртизанки и юноши. Они лю­били друг друга, но не имели ни малейшей надежды соединиться в этом мире.

Это был новый вид пьесы дзёрури, который стали назы­вать сэвамоно (бытовая пьеса). В дальнейшем их появилось множество. Рекордное число представлений выдержала историческая пьеса Тикамацу «Кокусэнъя кассэн»: она шла ежеднев­но семнадцать месяцев подряд. Кукольный театр дзёрури стал одним из самых ярких явлений культурной жизни Япо­нии.

В XVIII веке для кукольного театра дзёрури пьесы пи­сали крупные драматурги — Такэда Идзумо, Намики Соскэ, Тикамацу Хандзи и другие. Репертуар театра расши­рялся, усложнялся, совершенствовались и куклы, которые все больше напоминали живых актеров. Однако полного сходства все же не наблюдалось. Считается, что это привело бы к ослаблению интереса зрителей к этому искусству и разорению многих кукольных театров. Тем более что театр кабуки, развивавшийся параллельно, прибегал к заимствованиям в кукольном театре дзёрури. Все луч­шее — пьесы, технику постановки и даже игровые приемы,— достигли удивительного расцвета. Хранителем традиций кукольного теат­ра дзёрури стал доживший до наших дней театр «Бунраку». И это название стало символом японского тра­диционного кукольного театра. Руководство театра «Бунраку» несколько раз меня­лось, а с 1909 года театр перешел в руки крупной театральной компании Сётику . В то время в состав труппы входило 113 человек: 38 — гидаю, 51 — музыкант, 24 — кук­ловода. В 1926 году во время пожара сгорело театральное помещение, в ко­тором труппа работала в течение сорока двух лет. Через 4 года в 1930 го­ду компания Сётику построила в центре Осака новое желе­зобетонное здание театра на 850 мест.

Репертуар кукольного театра дзёрури весьма обширен: только сохранилось и дошло до наших дней свыше тысячи пьес этого театра. Сюжеты пьес исторические, бытовые и танцеваль­ные. Представление каждой из них полностью потре­бовало бы восьми-десяти часов, полностью эти пьесы не ставят. Обычно выбирают наиболее драматичные и популярные сцены, их комбинируют так, чтобы представление было гармоничным и разнообразным. Обычно в представление включается одна или несколь­ко сцен из исторической трагедии, одна сцена из бытовой пьесы и небольшой танцевальный отрывок. Сюжетные линии большинства пьес сложны и запутаны. Возвышенный идеал чести, подлое преда­тельство, бескорыстное благородство, - все эти переплетения создают путаницу. Необыкновенное сходство персонажей, подмена одного лица другим, убийство, самоубийство, безнадежная любовь, ревность и предательтво — все это перемешано в самых невероятных сочетаниях. Еще одной особенностью пьес дзёрури является архаич­ный язык, трудный для понимания современной аудиторией, особенно в специфическом чтении нараспев, что не является препятствием для любителей этого жанра. Дело в том, что почти все сюжеты им хорошо знакомы с дет­ства, т.к. это является существенной частью культурного наследия прошло­го.

Определяющим моментом в театре «Бунраку» является гар­моническое сочетание музыки, художественного чтения по­этического текста и необыкновенно выразительного движения кукол. Именно в том и заключается осо­бое очарование этого искусства. Кукольный театр дзёрури является уникальным теат­ральным жанром, существующим только в Японии, однако существуют множество кукольных театров с разной техникой вождения кукол и разным творческим направле­нием. Значительной популярностью пользуются «Такэда нингёдза» — театр марионеток и «Гайси соккё нингё гэкидзё», где куклы управляеются руками. Их репертуар состоит из пьес традиционного театра, сказки, ле­генды, народные танцы. Самым крупным из новых кукольных театров нетради­ционного направления является «Пук» (La Pupa Klubo), созданный в 1929 году. В 1940 году этот театр был ликвидиро­ван, но после войны он возобновил свою деятельность и стал ядром Всеяпонской ассоциации кукольных театров, объединившим около восьмидесяти трупп. Театр «Пук» используюет разную технику вождения кукол, это и перчаточные куклы, марионетки, тростевые куклы и куклы, управляемые двумя руками. Большое вни­мание уделяется созданию кукольных фильмов и диафильмов. Репертуар японских нетрадиционных куколь­ных театров состоит из сказок и пьес как зарубежных, так и японских авторов.

www.omtland.ru/

@темы: арт, традиции